作曲をする際、「良いメロディを書くコツはあるのでしょうか？」という話を、時々聞きますが、これは、実は、あると思います。
音楽をやる時、努力である程度できる分野、というのがあります。たとえば、アレンジだったり、ミックスなどのエンジニア・テクニックだったり、、
僕は実は、このあたりを、努力でなんとかなんとか頑張っているタイプの人間なのですが、これらの分野は、意外と、努力したら、それなりに成果が出やすいものではないかな、と思っています。（ただし、この分野は向き不向きがあって、向いていない人には、とことん向いていない可能性があります 笑）
そして、作曲の際の、メロディ・ライティングなのですが、「メロディは才能、感性」と、思われがちなのではないかな、と思います。実際、僕もそうではないかな、と感じることも多々あります。
しかし、、それでも僕は、「作曲におけるメロディ・ライティングは、ある程度は、努力でなんとかなるもの」ではないかな、と思っています。「努力」という言葉が合わなければ、「コツ」かもしれません。
その「コツ」というのが、タイトルに書いた、
「よく会う人は好きになる、会えない人には会いたくなる」
だと思います。僕は、人に教える機会がある時、この例えを使っています。なにやら、90年代のバブリーな、月9ドラマのタイトルみたいですね 笑
ここでいう「人」というのを、メロディにおける最小単位である、「モチーフ（1 or 2小節単位のフレーズ）」に、置き換えて、考えていけば、いいのです。
友達関係、恋愛などに置き換えても、よく会う機会のある人は、仲良くなって、好きになりやすいと思います。
それと同じように、曲の最小単位である「モチーフ」を、そのまま反復したり、少し形を変えたり、同じ起伏をもったまま、音程を上げたり下げたりして、大きなひとまとまりのメロディにしていけば、、、
その大きなひとまとまりのメロディは、聴いた時に、とても親しみやすいものになっているはずです。小さな「モチーフ」が、何度も使われているわけですから、メロディが、知らず知らずのうちの、対人関係でいうところの「何度も同じ人に会っている状態」に、なっているからです。少しメロディの形を変えるのは、「あの人のこんな一面も見れた」みたいにも、捉えられますね。
この手法を、非常に効果的に使っていると、僕が思う作曲家の方は、海外だと、フランスの故ミッシェル・ルグランさん、日本だと筒美京平先生だと思います。（一流の方は皆そうですが、その中でも特に） 特に、筒美京平先生のメロディは、ポップスの曲を書きたい人なら、教科書のように研究すると、素晴らしい効果が出るのでは、と思っています。
また、別の種類のモチーフと組み合わせたりすることも、効果的です。人は、いくら仲が良くても、たまには別の人に会いたかったり、また、いつも二人ではなく、複数の人で会いたかったり、するものではないでしょうか？ メロディも、同じことだと思います。
2小節単位のモチーフが4種類あって、それぞれ、A、B、C、D として、
A – B – A – C
A – B – A – D
こういう風に作っていくことも、よくあります。
この場合も、モチーフAが4回、モチーフBが2回、出てきます。つまり「何度も人に会っている状態」になります。
そして、（A – B）（A – C）（A – D）というのは、別の見方をすれば、4小節単位のひとまとまり（小楽節ともいいます）と考えることができます。これを、たとえば、α、β、γ とすれば、このメロディは、
α – β – α – γ
で、成立しているメロディ、とも言えます。この場合も、α が2回出てきて、しかも、β、γも、モチーフAを含んでいるので、αから派生したメロディです。つまり、「何度も人に会っている状態」になっているのです。
ここに挙げたのは、ちょっとした例ですが、このように、フレーズの最小単位「モチーフ」を、反復したり、応用したり、何種類か組み合わせていくことで、メロディを、耳に残りやすい、親しめるものにしていくのです。
では、同じモチーフを使わないで、成立しているメロディは、つまらないものになってしまうので、あまり、そういうメロディは、作らない方がいいのでしょうか？
それでも、良いメロディにすることは、可能だと思います。そういう場合は、
「とても魅力的だけれど、時々しか会えない人は、会えるとうれしい、そしてまた、会いたくなる」
そういうふうに、考えていけば、いいのでは、と思います。「会いたい」は「聴きたい」に置き換えられます。
たとえば、CHAGE & ASKA さんの「not at all」、ASKAさんの「けれど空は青」などの、サビのメロディは、モチーフでいえば、
A – B – C – D
で、成立していると思います。（あくまで、僕の解釈です） でも、誰が聴いても、名曲です。そして、このメロディは、次に、2コーラス目のサビが来るまでは、再び聴けません。
ここで、気付いた方がいるかもしれませんが、モチーフを繰り返す以前に、ものすごく大切なのは、「モチーフそのものが持つ『質』が良くなければならない」ということです。
モチーフをいくら反復したり、応用しても、もしそのモチーフ自体が、つまらないものであれば、
「ただ単に、耳につくけれど、つまらない曲」
になってしまいます。
もし、自分が顔を合わす相手が、文句ばかり言ったり、自慢話ばかりしたり、意地悪だったり、わがままだったり etc…
そういう人だったら、いくら頻繁に会っても、全然うれしくないし、「ああ、またあいつか～」となってしまうし、もし、一度しか会わずに済んだら、「ああ、会うのが一度きりで済んでよかった～」と、思いますよね。
この、「モチーフの『質』を磨く」というのが、本当に難しく、大切なことで、これに関しては「どうしたらいいのですか？」と聞かれても、正直、答えづらかったりします。（というか、あまり答えたくありません 笑） 才能や、育った環境に因る部分も大きいかもしれませんが、いろんな音楽を聴いて研究する、センスを磨く、普段の行動に注意するetc… そういうことが大切なのかな、と思います。
ここまで書いたような、「モチーフ」からメロディを展開していく手法は、実は、普通に曲を作っていると、誰でも、ある程度は、自然にできていたりします。なので、説明を聞いても「なんだ、そんなの簡単なことじゃないか」「そんなの、誰でも分かっているよ」と、思う人も、きっといると思います。
しかし、誰でも分かるようなシンプルなことだからこそ、これを常に「意識して」メロディを書くことが、とても大切です。これを意識している人と、していない人では、雲泥の差が出てきます。とにかく「意識する」ことが大切です。
メロディを良くしていく方法は、まだまだいろいろあるのですが（ここでは、メロディとコードの相関関係も説明していませんし）、まず、基本となるのは、メロディは、その最小単位になる「モチーフ」を使って展開していく、ということを、しっかり認識しながら、書いていくことが大切だと、個人的に思っています。
って、こんな企業秘密なこと書いて、大丈夫かな…
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